Curated by Christina Végh with Monica Bonvicini the solo show at Kunsthalle Bielefeld presents the artist’s most recent works, most of which were made specifically for the exhibition, across several media such as installation, sculpture, photography, and video. The artist choice of the show’s title, LOVER’S MATERIAL, refers to the author Franz Schulze’s characterization of the relationship between the Kunsthalle’s architect, Philip Johnson, and his partner Jon Stroup. In Schulze’s biography of Johnson, Stroup is described as “comfortably passive”. For Bonvicini, this patronizing definition means also that relationships can also be defined as something both objectifying and rationalizing. Starting with this idea, the whole exhibition delves into the relationships—economic and private, as well as political—that are linked to exhibition spaces.

A cura di Christina Végh con Monica Bonvicini, la personale alla Kunsthalle Bielefeld presenta i suoi lavori più recenti, la maggior parte dei quali realizzati appositamente per la mostra, tra media diversi come installazione, scultura, fotografia e video. Il titolo della mostra scelto dall’artista, LOVER’S MATERIAL, è un riferimento a come l’autore Franz Schulze descrive il rapporto tra l’architetto della Kunsthalle, Philip Johnson, e il suo compagno Jon Stroup. Nella biografia di Johnson a cura di Schulze, Stroup è descritto come “comodamente passivo”. Per Bonvicini questo commento condiscendente ha generato l’idea che le relazioni possano anche essere definite come qualcosa di oggettivante e razionalizzante. Partendo da questa interpretazione, l’intera mostra approfondisce i rapporti – economici e privati, oltre che politici – legati agli spazi espositivi.

In the exhibition’s central room, Bonvicini has laid down Breach of Decor, a large-scale composition of carpets covering up most of the floor. The work carefully assembles images of a photographic series that the artist took over a long period of time. The images double the visitors’ point of view from above; they depict fragments of different kinds of flooring with lying garments. Walking on the work and exploring familiar interior scenes of daily life, the audience finds itself in ambivalent vertigo of visual perspective and ironic détournement.

Bonvicini ha ricoperto la maggior parte del pavimento della sala centrale della mostra con Breach of Decor: una grande installazione di tappeti. Il lavoro dispone e accosta accuratamente le immagini di una serie fotografica a cui l’artista ha lavorato per molto tempo. Le fotografie riprodotte raddoppiano il punto di vista dei visitatori dall’alto; raffigurano frammenti di diversi tipi di pavimentazione con indumenti lasciati a terra. Camminando sull’opera ed esplorando scene familiari nella vita quotidiana, il pubblico si trova in una vertigine ambivalente tra prospettiva visiva modificata e un ironico détournement.

An earlier example of Bonvicini’s use of pink spray paint to stencil words is the artist’s 2017 series of wall works exhibited in her first exhibition at the gallery. This series, inspired by Paul B. Preciado’s Testo Junkie, consist of prints of a multitude of cuts-out of body parts taken from scrap magazines and tabloids. In the resulting composition every sexual reference vanishes and a vivid analysis emerges underlining how pleasure and body parts are considered commodification objects. Each one of the four works shows a spray-painted portion of the sentence “I like to stand with one leg on each side of the wall” taken from the text The German Issue by Heiner Müller in Venetian pink.

Un precedente esempio dell’uso della vernice spray rosa da parte di Bonvicini per riportare parole con lo stencil è la serie di opere murali del 2017 esposta nella sua prima mostra in galleria. I lavori di questa serie, ispirata a Testo Junkie di Paul B. Preciado, sono costituiti da vari ritagli d’immagini di parti del corpo prese da tabloid e riviste scandalistiche. Ne risulta una composizione dove qualsiasi riferimento sessuale viene impoverito per dare risalto ad una analisi del piacere e dell’uso del corpo come materiale di scambio votato al profitto. Seppure i lavori siano singoli, ognuno riporta con spray di colore rosa veneziano una porzione della frase “I like to stand with one leg on each side of the wall” ripresa dal testo The German Issue di Heiner Müller.

Monica Bonvicini has employed Marlboro advertising imagery in her practice since 1993; the screen-printed image is in fact from a poster of the time. The cowboy riding his horse next to a wooden fence and barbed wire, a symbol of codified machismo, is a figure that is even more disturbing today, considering the migratory flows that affect the border between Mexico and the United States as well as European territory. The work shown here, Marlboro Man (2019) is large screen-print on aluminum plates and was exhibited as part of Unrequited Love, Bonvicini’s second solo show with the gallery.

Monica Bonvicini ha iniziato a lavorare con la pubblicità della Marlboro già nel 1993 e infatti l’immagine serigrafata è tratta da un cartellone dell’epoca. Il cowboy che cavalca il suo cavallo accanto a un recinto di filo spinato, già simbolo di un machismo codificato, è una figura che oggi diviene ancora più inquietante, considerando i flussi migratori che interessano la frontiera tra Messico e Stati Uniti e il territorio europeo. Il lavoro presentato qui, Marlboro Man (2019), è una grande serigrafia su lastre di alluminio ed è stato esposto nella seconda mostra di Bonvicini in galleria, Unrequited Love.

The iron and blown glass sculpture Fleurs du Mal (pink) is also from 2019. Pink glass objects hang from the hooks of a structure that recalls as an overblown portrait of Marcel Duchamp’s Bottle Rack (1914). This image describes an uncanny environment between nature and domesticity that, like the prairie overseen by the Marlboro Man, is risky territory.

Del 2019 è anche la scultura in ferro e vetro soffiato Fleurs du Mal (pink). Gli oggetti in vetro rosa sono appesi agli uncini di quello che ricorda un ritratto ingigantito dello Scolabottiglie (1914) di Marcel Duchamp. L’opera descrive un ambiente inquietante tra natura e domesticità che, come la prateria del Marlboro Man, è territorio rischioso.

The domestic environment and the impact of architecture on private life was explored in further focus in the exhibition space in via A. Stradella 1, where Bonvicini installed a dusty pink carpet and wallpaper-sized photographs from the Italian Homes (2019) series. Placed on top of this wallpaper, three large scale works on paper from 2002, Places of ID (Three People at the…), Pin Up Girl, and Vitruvius, offer intriguing relationships between architecture, history, and sexuality.

L’ambiente domestico e l’impatto dell’architettura sulla vita privata sono tematiche che l’artista ha approfondito ulteriormente nello spazio espositivo di via A. Stradella 1, nel quale è stata installata una moquette rosa antico e le fotografie della serie Italian Homes (2019) sono diventate carta da parati. Sulle stesse pareti, tre grandi opere su carta del 2002, Places of ID (Three People at the…), Pin Up Girl e Vitruvius, propongono intriganti connessioni tra architettura, storia e sessualità.

For years, Bonvicini has been carrying out photographic documentation of family houses in Lombardy that were designed and built towards the end of the 1960s for the ‘traditional’ family of the time. The current appearance of these buildings, once rigorously identical in all their parts, reflects the economic and demographic changes of their communities in the past fifty years, resulting in discordant and incompatible aesthetics that create unusual and curious juxtapositions. The Italian Homes series was shown in its entirety on the occasion of As Walls Keep Shifting, the artist’s 2019 solo exhibition at OGR – Officine Grandi Riparazioni in Turin, curated by Nicola Ricciardi with Samuele Piazza.

Bonvicini ha lavorato per diversi anni su una documentazione fotografica di villette familiari lombarde concepite e costruite verso la fine degli anni Sessanta per la famiglia ‘tradizionale’ dell’epoca. L’aspetto di queste costruzioni, una volta rigorosamente identico in tutte le loro parti, ad oggi rispecchia i cambiamenti economici e demografici delle comunità negli ultimi cinquant’anni, dando luogo a dissonanze e incompatibilità di natura estetica che creano situazioni singolari e curiose. La serie completa di Italian Homes è stata esposta nel 2019 nella personale dell’artista As Walls Keep Shifting alle OGR – Officine Grandi Riparazioni di Torino, a cura di Nicola Ricciardi con Samuele Piazza.

Monica Bonvicini’s 1999 installation I Believe in the Skin of Things as in that of Women, currently on view at Kunstmuseum Stuttgart as part of the exhibition WÄNDE I WALLS, refers to the connection between architecture, space, and gender. First shown at the 51st Venice Biennial curated by Harald Szeemann, the work consists of a room built out of drywall panels that have been hammered down and cut through. Inside there are drawings in pencil similar to caricatures accompanied by texts on architecture and gender, from Alberti to Zaha Hadid. In the brief videos below, former Museion director Letizia Ragaglia speaks about the work and its lasting legacy.

Anche l’installazione di Monica Bonvicini del 1999 I Believe in the Skin of Things as in that of Women, attualmente in mostra al Kunstmuseum Stuttgart nella collettiva WÄNDE I WALLS, si riferisce alle connessioni tra architettura, spazio e genere. Esposta per la prima volta alla 51a Biennale di Venezia curata da Harald Szeemann, l’opera crea una stanza, composta da pannelli di cartongesso che sono stati martellati e tagliati. All’interno si trovano disegni a matita simili a caricature, accompagnati da testi di alcuni sull’architettura e sul genere, da Alberti a Zaha Hadid. Nei brevi video che seguono, l’ex direttrice di Museion Letizia Ragaglia parla dell’opera e della sua eredità duratura.

In this conversation with MAXXI director Hou Hanru presented as part of the public program for the 2019 exhibition The Street. Where the World Is Made, Monica Bonvicini invites visitors to question the border between public and private, compelling us not to “lose a second” of what happens around us, in the street, starting from the work Don’t Miss a Sec’. (2004), a minimalist glass pavilion that amplifies the notion of minimal art with a witty humor in the moment she put a functioning toilette inside.

In questa conversazione con Hou Hanru, direttore del MAXXI, presentata in occasione della mostra La Strada. Dove si crea il mondo (2019) Monica Bonvicini invita il visitatore a interrogarsi sul confine tra pubblico e privato, esortando esplicitamente a “non perdere un secondo” di quello che avviene attorno a noi, nella strada, a partire dall’opera in mostra Don’t Miss a Sec’. (2004), un padiglione minimalista di vetro che amplifica la nozione dell’arte minimalista con un umorismo arguto nel momento in cui contiene al suo interno una toilette funzionante.

The video work No Head Man is the aftermath of the performance realised in 2006 for the 27th São Paulo Biennial. Bonvicini choreographed four male actors to perform gestures that critically addressed the architectural space and the hegemonic influence of the ‘white cube,’ the modernist ideal for an art museum. Both minimal and explicit, No Head Man seeks to expose and undermine the gender and position-based entitlements that are far too common in the contemporary art field. This video is currently on view at Palazzo delle Esposizioni in Rome as part of FUORI, the 2020 Quadriennale d’Arte, curated by Sarah Cosulich and Stefano Collicelli Cagol.

L’opera video No Head Man nasce a seguito della performance realizzata nel 2006 per la 27a Biennale di San Paolo. Bonvicini ha coreografato quattro performer maschi per eseguire gesti che affrontassero criticamente lo spazio architettonico e l’influenza egemonica del ‘white cube’, l’ideale modernista per un museo d’arte. Al tempo stesso minimale ed esplicito, No Head Man tenta di smascherare e minare i diritti di genere e di posizione che sono fin troppo comuni nel campo dell’arte contemporanea. Questo lavoro è attualmente in mostra al Palazzo delle Esposizioni di Roma nella Quadriennale d’Arte 2020, FUORI, a cura di Sarah Cosulich e Stefano Collicelli Cagol.

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