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focus on: monica bonvicini

We are delighted to introduce Focus On, a new series of in-depth presentations on artists in the gallery program. Berlin-based Italian artist Monica Bonvicini (Venice, 1965), whose exhibition LOVER'S MATERIAL is currently on view at the Kunsthalle Bielefeld, is the first featured in the Focus On series of online viewing rooms. The artist's multifaceted practice—which investigates the relationship between architecture, power, gender, space, history, and control —is translated into works that question the meaning of making art, the ambiguity of language, and the limits and possibilities attached to the ideal of freedom. Dry-humored, direct, and imbued with historical, political and social references, Bonvicini’s art never refrains from establishing a critical connection with the sites where it is exhibited, the materials that comprise it, and the roles of spectator and creator.

Siamo lieti di presentare Focus On, una nuova serie di approfondimenti che indagano le ricerche degli artisti rappresentati dalla galleria. L'artista berlinese Monica Bonvicini (Venezia, 1965), la cui mostra LOVER'S MATERIAL è attualmente in corso alla Kunsthalle Bielefeld, è protagonista della prima viewing room Focus On. La sua pratica eclettica ma rigorosa – che indaga il rapporto tra architettura, potere, genere e sessualità, spazio, storia e controllo – si traduce in opere che mettono in discussione il significato del fare arte, l’ambiguità del linguaggio, i limiti e le possibilità legati all’ideale di libertà. L’arte di Bonvicini è sarcastica, diretta e piena di riferimenti storici e socio-politici; non si astiene mai dallo stabilire una connessione critica con i luoghi in cui è esposta, i materiali che la compongono e i ruoli di spettatore e creatore.

 

Curated by Christina Végh with Monica Bonvicini the solo show at Kunsthalle Bielefeld presents the artist’s most recent works, most of which were made specifically for the exhibition, across several media such as installation, sculpture, photography, and video. The artist choice of the show’s title, LOVER’S MATERIAL, refers to the author Franz Schulze’s characterization of the relationship between the Kunsthalle’s architect, Philip Johnson, and his partner Jon Stroup. In Schulze’s biography of Johnson, Stroup is described as “comfortably passive”. For Bonvicini, this patronizing definition means also that relationships can also be defined as something both objectifying and rationalizing. Starting with this idea, the whole exhibition delves into the relationships—economic and private, as well as political—that are linked to exhibition spaces.

A cura di Christina Végh con Monica Bonvicini, la personale alla Kunsthalle Bielefeld presenta i suoi lavori più recenti, la maggior parte dei quali realizzati appositamente per la mostra, tra media diversi come installazione, scultura, fotografia e video. Il titolo della mostra scelto dall’artista, LOVER’S MATERIAL, è un riferimento a come l’autore Franz Schulze descrive il rapporto tra l’architetto della Kunsthalle, Philip Johnson, e il suo compagno Jon Stroup. Nella biografia di Johnson a cura di Schulze, Stroup è descritto come “comodamente passivo”. Per Bonvicini questo commento condiscendente ha generato l’idea che le relazioni possano anche essere definite come qualcosa di oggettivante e razionalizzante. Partendo da questa interpretazione, l’intera mostra approfondisce i rapporti – economici e privati, oltre che politici – legati agli spazi espositivi.

 

monica bonvicini

Breach of Decor

2020

Textile print, linked

898 × 968 cm

Ed. 5 + 2 AP

Installation view of Monica Bonvicini. LOVER'S MATERIAL at Kunsthalle Bielefeld, Bielefeld, 2020

Photo: Jens Ziehe

monica bonvicini

Breach of Decor

2020

Textile print, linked

898 × 968 cm

Ed. 5 + 2 AP

Installation view of Monica Bonvicini. LOVER'S MATERIAL at Kunsthalle Bielefeld, Bielefeld, 2020

Photo: Jens Ziehe

monica bonvicini

Breach of Decor

2020

Textile print, linked

898 × 968 cm

Ed. 5 + 2 AP

Installation view of Monica Bonvicini. LOVER'S MATERIAL at Kunsthalle Bielefeld, Bielefeld, 2020

Photo: Jens Ziehe

 

In the exhibition’s central room, Bonvicini has laid down Breach of Decor, a large-scale composition of carpets covering up most of the floor. The work carefully assembles images of a photographic series that the artist took over a long period of time. The images double the visitors’ point of view from above; they depict fragments of different kinds of flooring with lying garments. Walking on the work and exploring familiar interior scenes of daily life, the audience finds itself in ambivalent vertigo of visual perspective and ironic détournement.

Bonvicini ha ricoperto la maggior parte del pavimento della sala centrale della mostra con Breach of Decor: una grande installazione di tappeti. Il lavoro dispone e accosta accuratamente le immagini di una serie fotografica a cui l’artista ha lavorato per molto tempo. Le fotografie riprodotte raddoppiano il punto di vista dei visitatori dall’alto; raffigurano frammenti di diversi tipi di pavimentazione con indumenti lasciati a terra. Camminando sull’opera ed esplorando scene familiari nella vita quotidiana, il pubblico si trova in una vertigine ambivalente tra prospettiva visiva modificata e un ironico détournement.

monica bonvicini

Breach of Decor (red pepper)

2020

Textile print, linked

240 × 180 cm

Ed. 5 + 2 AP

monica bonvicini

Breach of Decor (light blue)

2020

Textile print, linked

240 × 180 cm

Ed. 5 + 2 AP

monica bonvicini

Breach of Decor (washed out)

2020

Textile print, linked

120 × 180 cm

Ed. 5 + 2 AP

monica bonvicini

Breach of Decor (innocent white)

2020

Textile print, linked

120 × 180 cm

Ed. 5 + 2 AP

monica bonvicini

LOVER'S MATERIAL

2020

Installation view at Kunsthalle Bielefeld, Bielefeld

Photo: Jens Ziehe

The Kunsthalle’s adjacent room presents NEVER TIRE, an installation of recent paintings that Bonvicini made during the lockdown period. The installation creates a nebulous black, dark grey and pink landscape from which fence mesh, chains and text lines appear. In contrast to the indefinite background, the spray-painted quotes from authors such as Roland Barthes, Judith Butler, Natalie Diaz, Soraya Chemaly, and Andrea Dworkin strike as startlingly real and present. The text passages are reversed, cut shorter and changed, attaining a new, poetic dimension. The works on paper are mounted on vertical aluminum panels with visible metal edges and are thus akin to banners used in political protests, manifesting polyvocality of slogans, demands and messages. Instant associations that the work brings up are simultaneously personal, but also political and contemporary.

La sala adiacente della Kunsthalle presenta NEVER TIRE, un’installazione di pitture recenti che Bonvicini ha realizzato durante il periodo di lockdown. L’installazione crea un paesaggio nebuloso, nero, grigio scuro e rosa, sul quale compaiono reti di recinzione, catene e linee di testo. In contrasto con lo sfondo indefinito, le citazioni di autori come Roland Barthes, Judith Butler, Natalie Diaz, Soraya Chemaly e Andrea Dworkin riportate con lo spray-paint colpiscono come sorprendentemente reali e presenti. I passaggi dei testi sono stati invertiti, accorciati e modificati, raggiungendo una nuova dimensione poetica. Le opere su carta sono fissate su pannelli verticali di alluminio con bordi metallici a vista e sono quindi simili a cartelloni usati nelle proteste politiche, manifestando la polivocità di slogan, rivendicazioni e messaggi. Le associazioni istantanee che emergono dal lavoro sono allo stesso tempo personali, politiche e contemporanee.

monica bonvicini

The Vocation

2020

Tempera and spray paint on Fabriano paper, mounted on aluminum

150 × 100 cm

monica bonvicini

Rose Cloud Grid #2

2020

Spray paint on Fabriano paper, mounted on aluminum

200 × 150 cm

monica bonvicini

Rage

2020

Spray paint on Fabriano paper, mounted on aluminum

72,5 × 52 cm

monica bonvicini

Your Words

2020

Tempera and spray on Fabriano paper, mounted on aluminum

75 × 50 cm

 

An earlier example of Bonvicini’s use of pink spray paint to stencil words is the artist’s 2017 series of wall works exhibited in her first exhibition at the gallery. This series, inspired by Paul B. Preciado’s Testo Junkie, consist of prints of a multitude of cuts-out of body parts taken from scrap magazines and tabloids. In the resulting composition every sexual reference vanishes and a vivid analysis emerges underlining how pleasure and body parts are considered commodification objects. Each one of the four works shows a spray-painted portion of the sentence “I like to stand with one leg on each side of the wall” taken from the text The German Issue by Heiner Müller in Venetian pink.

Un precedente esempio dell’uso della vernice spray rosa da parte di Bonvicini per riportare parole con lo stencil è la serie di opere murali del 2017 esposta nella sua prima mostra in galleria. I lavori di questa serie, ispirata a Testo Junkie di Paul B. Preciado, sono costituiti da vari ritagli d’immagini di parti del corpo prese da tabloid e riviste scandalistiche. Ne risulta una composizione dove qualsiasi riferimento sessuale viene impoverito per dare risalto ad una analisi del piacere e dell’uso del corpo come materiale di scambio votato al profitto. Seppure i lavori siano singoli, ognuno riporta con spray di colore rosa veneziano una porzione della frase “I like to stand with one leg on each side of the wall” ripresa dal testo The German Issue di Heiner Müller.

monica bonvicini

Our House

2017

Installation view at Galleria Raffaella Cortese, via A. Stradella 1, Milan

Photo: Lorenzo Palmieri

monica bonvicini

With One Leg

2017

Pigment print on Tyvek and spray paint

183 × 136 × 3 cm

monica bonvicini

Of The Wall

2017

Pigment print on Tyvek and spray paint

183 × 136 × 3 cm

monica bonvicini

LOVER'S MATERIAL

2020

Installation view at Kunsthalle Bielefeld, Bielefeld

Photo: Jens Ziehe

monica bonvicini

Grab Them by the Balls #1

2020

Bronze

7,5 × 25,5 × 14 cm

Unlimited edition with unique character

Photo: Jens Ziehe

monica bonvicini

Grab Them by the Balls #1

2020

Bronze

7,5 × 25,5 × 14 cm

Unlimited edition with unique character

Photo: Jens Ziehe

monica bonvicini

Unrequited Love

2019

Installation view at Galleria Raffaella Cortese, via A. Stradella 4, Milan

Photo: Andrea Rossetti

 

Monica Bonvicini has employed Marlboro advertising imagery in her practice since 1993; the screen-printed image is in fact from a poster of the time. The cowboy riding his horse next to a wooden fence and barbed wire, a symbol of codified machismo, is a figure that is even more disturbing today, considering the migratory flows that affect the border between Mexico and the United States as well as European territory. The work shown here, Marlboro Man (2019) is large screen-print on aluminum plates and was exhibited as part of Unrequited Love, Bonvicini’s second solo show with the gallery.

Monica Bonvicini ha iniziato a lavorare con la pubblicità della Marlboro già nel 1993 e infatti l’immagine serigrafata è tratta da un cartellone dell’epoca. Il cowboy che cavalca il suo cavallo accanto a un recinto di filo spinato, già simbolo di un machismo codificato, è una figura che oggi diviene ancora più inquietante, considerando i flussi migratori che interessano la frontiera tra Messico e Stati Uniti e il territorio europeo. Il lavoro presentato qui, Marlboro Man (2019), è una grande serigrafia su lastre di alluminio ed è stato esposto nella seconda mostra di Bonvicini in galleria, Unrequited Love.

monica bonvicini

Marlboro Man

2019

Silkscreen on aluminum

400 × 620 cm

Installation view of Unrequited Love, Galleria Raffaella Cortese, via A. Stradella 4, Milan, 2019

Photo: Andrea Rossetti

 

The iron and blown glass sculpture Fleurs du Mal (pink) is also from 2019. Pink glass objects hang from the hooks of a structure that recalls as an overblown portrait of Marcel Duchamp’s Bottle Rack (1914). This image describes an uncanny environment between nature and domesticity that, like the prairie overseen by the Marlboro Man, is risky territory.

Del 2019 è anche la scultura in ferro e vetro soffiato Fleurs du Mal (pink). Gli oggetti in vetro rosa sono appesi agli uncini di quello che ricorda un ritratto ingigantito dello Scolabottiglie (1914) di Marcel Duchamp. L’opera descrive un ambiente inquietante tra natura e domesticità che, come la prateria del Marlboro Man, è territorio rischioso.

monica bonvicini

Fleurs du Mal (pink)

2019

Steel, hand blown glass

170 × 150 × 150 cm approx.

Photo: Andrea Rossetti

monica bonvicini

Fleurs du Mal (pink)

2019 (detail)

Photo: Andrea Rossetti

monica bonvicini

Unrequited Love

2019

Installation view at Galleria Raffaella Cortese, Via A. Stradella 1, Milan

Photo: Andrea Rossetti

 

The domestic environment and the impact of architecture on private life was explored in further focus in the exhibition space in via A. Stradella 1, where Bonvicini installed a dusty pink carpet and wallpaper-sized photographs from the Italian Homes (2019) series. Placed on top of this wallpaper, three large scale works on paper from 2002, Places of ID (Three People at the…), Pin Up Girl, and Vitruvius, offer intriguing relationships between architecture, history, and sexuality.

L’ambiente domestico e l’impatto dell’architettura sulla vita privata sono tematiche che l’artista ha approfondito ulteriormente nello spazio espositivo di via A. Stradella 1, nel quale è stata installata una moquette rosa antico e le fotografie della serie Italian Homes (2019) sono diventate carta da parati. Sulle stesse pareti, tre grandi opere su carta del 2002, Places of ID (Three People at the…), Pin Up Girl e Vitruvius, propongono intriganti connessioni tra architettura, storia e sessualità.

monica bonvicini

Places of ID (Three People at the...)

2002

Tempera marker on Fabriano paper

150 × 130 cm; 160 × 141 × 5,5 cm framed

monica bonvicini

Vitruvius

2002

Tempera marker on Fabriano paper

150 × 130 cm; 160 × 141 × 5,5 cm framed

monica bonvicini

Unrequited Love

2019

Installation view at Galleria Raffaella Cortese, Via A. Stradella 1, Milan

Photo: Andrea Rossetti

 

For years, Bonvicini has been carrying out photographic documentation of family houses in Lombardy that were designed and built towards the end of the 1960s for the ‘traditional’ family of the time. The current appearance of these buildings, once rigorously identical in all their parts, reflects the economic and demographic changes of their communities in the past fifty years, resulting in discordant and incompatible aesthetics that create unusual and curious juxtapositions. The Italian Homes series was shown in its entirety on the occasion of As Walls Keep Shifting, the artist’s 2019 solo exhibition at OGR – Officine Grandi Riparazioni in Turin, curated by Nicola Ricciardi with Samuele Piazza.

Bonvicini ha lavorato per diversi anni su una documentazione fotografica di villette familiari lombarde concepite e costruite verso la fine degli anni Sessanta per la famiglia ‘tradizionale’ dell’epoca. L’aspetto di queste costruzioni, una volta rigorosamente identico in tutte le loro parti, ad oggi rispecchia i cambiamenti economici e demografici delle comunità negli ultimi cinquant’anni, dando luogo a dissonanze e incompatibilità di natura estetica che creano situazioni singolari e curiose. La serie completa di Italian Homes è stata esposta nel 2019 nella personale dell’artista As Walls Keep Shifting alle OGR – Officine Grandi Riparazioni di Torino, a cura di Nicola Ricciardi con Samuele Piazza.

monica bonvicini

As Walls Keep Shifting

2019

Installation view at OGR Officine Grandi Riparazioni, Turin

Photo: Andrea Rossetti

monica bonvicini

Italian Homes #11

2019

Pigment print on paper

59 × 79,5 cm

Ed. 3 + 2 AP

monica bonvicini

Italian Homes #4

2019

Pigment print on paper

59 × 79,5 cm

Ed. 3 + 2 AP

monica bonvicini

Italian Homes #28

2019

Pigment print on paper

59 × 79,5 cm

Ed. 3 + 2 AP

monica bonvicini

Italian Homes #33

2019

Pigment print on paper

59 × 79,5 cm

Ed. 3 + 2 AP

monica bonvicini

Italian Homes #39

2019

Pigment print on paper

59 × 79,5 cm

Ed. 3 + 2 AP

monica bonvicini

Italian Homes #27

2019

Pigment print on paper

59 × 79,5 cm

Ed. 3 + 2 AP

monica bonvicini

I Believe in the Skin of Things as in that of Women

1999

Drywall panels, aluminium studs, wood panels, graphite

250 × 700 × 400 cm

Ed. 3 + 1 AP

Installation view of WÄNDE I WALLS, Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart, 2020

Photo: Frank Kleinbach © Kunstmuseum Stuttgart

 

Monica Bonvicini’s 1999 installation I Believe in the Skin of Things as in that of Women, currently on view at Kunstmuseum Stuttgart as part of the exhibition WÄNDE I WALLS, refers to the connection between architecture, space, and gender. First shown at the 51st Venice Biennial curated by Harald Szeemann, the work built a room, out drywall panels that have been hammered down and cut through. Inside there are drawings in pencil similar to caricatures accompanied by texts on architecture and gender, from Alberti to Zaha Hadid. In the brief videos below, former Museion director Letizia Ragaglia speaks about the work and its lasting legacy.

Anche l’installazione di Monica Bonvicini del 1999 I Believe in the Skin of Things as in that of Women, attualmente in mostra al Kunstmuseum Stuttgart nella collettiva WÄNDE I WALLS, si riferisce alle connessioni tra architettura, spazio e genere. Esposta per la prima volta alla 51a Biennale di Venezia curata da Harald Szeemann, l’opera crea una stanza, composta da pannelli di cartongesso che sono stati martellati e tagliati. All’interno si trovano disegni a matita simili a caricature, accompagnati da testi di alcuni sull’architettura e sul genere, da Alberti a Zaha Hadid. Nei brevi video che seguono, l’ex direttrice di Museion Letizia Ragaglia parla dell’opera e della sua eredità duratura.

Letizia Ragaglia on Monica Bonvicini's I Believe in the Skin of Things as in that of Women (1999)

Letizia Ragaglia sull'opera di Monica Bonvicini I Believe in the Skin of Things as in that of Women (1999)

monica bonvicini

I Believe in the Skin of Things as in that of Women

1999

Drywall panels, aluminium studs, wood panels, graphite

250 × 700 × 400 cm

Ed. 3 + 1 AP

Installation view of WÄNDE I WALLS, Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart, 2020

Photo: Frank Kleinbach © Kunstmuseum Stuttgart

monica bonvicini

I Believe in the Skin of Things as in that of Women

1999

Drywall panels, aluminium studs, wood panels, graphite

250 × 700 × 400 cm

Ed. 3 + 1 AP

Installation view of WÄNDE I WALLS, Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart, 2020

Photo: Frank Kleinbach © Kunstmuseum Stuttgart

monica bonvicini

I Believe in the Skin of Things as in that of Women

1999

Drywall panels, aluminium studs, wood panels, graphite

250 × 700 × 400 cm

Ed. 3 + 1 AP

Installation view of WÄNDE I WALLS, Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart, 2020

Photo: Frank Kleinbach © Kunstmuseum Stuttgart

monica bonvicini

I Believe in the Skin of Things as in that of Women

1999

Drywall panels, aluminium studs, wood panels, graphite

250 × 700 × 400 cm

Ed. 3 + 1 AP

Installation view of WÄNDE I WALLS, Kunstmuseum Stuttgart, Stuttgart, 2020

Photo: Frank Kleinbach © Kunstmuseum Stuttgart

monica bonvicini

Sol LeWitt / Carl Andre

1999

Permanent ink pen, ink and brush color pen on paper

26,5 × 18,3 cm; 34,7 × 26,8 cm framed

Made by the artist on the letterhead of a Holiday Inn during her stay in New York in 1999, Bonvicini confronts the traditionally male-dominated field of architecture and the legacy of Minimalism in this series of drawings that is part preparatory sketch for installations such as I Believe in the Skin of Things as in that of Women (1999), part musings on architecture, and part institutional critique of conceptual art. Combining drawings of male figures and geometric shapes and materials reminiscent of Sol LeWitt and Carl Andre’s works with Bonvicini’s witty, dry humor, this drawing also presents two written statements: “Take the structure away from things / take the structure as what it is: the essence of things and life and human being in general” and “The difference between art and architecture is that art is never functional.”

Realizzata dall’artista sulla carta intestata di un Holiday Inn durante il suo soggiorno a New York nel 1999, Bonvicini affronta il campo dell’architettura tradizionalmente dominato dagli uomini e l’eredità del Minimalismo in questa serie di disegni che è in parte schizzo preparatorio per installazioni come I Believe in the Skin of Things as in that of Women (1999), in parte riflessione sull’architettura e in parte critica istituzionale dell’arte concettuale. Affiancando disegni di figure maschili, forme geometriche e materiali che ricordano le opere di Sol LeWitt e Carl Andre con l’umorismo arguto e asciutto di Bonvicini, questo disegno presenta anche due affermazioni scritte: “Togli la struttura dalle cose / prendi la struttura per quello che è: l’essenza delle cose e della vita e dell’essere umano in generale” e “La differenza tra arte e architettura è che l’arte non è mai funzionale”.

monica bonvicini

Sol LeWitt / Carl Andre

1999

Permanent ink pen, ink, brush color pen, wax crayon on paper

26,5 × 18,3 cm; 34,7 × 26,8 cm framed

monica bonvicini

Sol LeWitt / Carl Andre

1999

Permanent ink pen, graphite, brush color pen, wax crayon on paper

26,5 × 18,3 cm; 34,7 × 26,8 cm framed

monica bonvicini

Don't Miss a Sec'

2004

Installation view at MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Rome, 2019

Photo: Luis Do Rosario © Fondazione MAXXI

monica bonvicini

Don't Miss a Sec'.

2004

Two-way mirror glass structure, stainless-steel toilet unit, concrete floor, aluminium, fluorescent lights, milk glass panels

250 × 140 × 190 cm (approx.)

Installation view at Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Denmark, 2009

Photo: Poul Buchard / Brøndum & Co

The distinction between private and public spaces is eradicating. While corporate bodies privatize physical commons, governments and the same corporations seize the private virtual data. Don’t Miss a Sec’. builds a radical proposition on this development – a glass pavilion that lingers between a discrete architectural style and enforced exhibitionism. From outside, it looks as a mirror cube, a minimalist sculpture of the sort of Dan Graham’s works, placed in a public space. However, by-passers are challenged to step inside and take an advantage of its amenities – a fully functioning restroom. The installation is constructed from a combination of glasses that render the the view from the inside out completely transparent, something alike to the one used for interrogation rooms, clinical psychology experiments. As a result, its user observes the surrounding environment while remaining invisible for those outside. Previously exhibited in various locations like Art Unlimited in Art Basel, 2004, in front of the Kunsthaus Zürich, Luisiana Museum and alike, the work has provoked booming media attention and a great number of discussions and public reactions.

La distinzione tra spazi privati e pubblici si sta sradicando. Mentre le grandi società privatizzano i beni comuni fisici, i governi e le stesse società si impossessano dei dati virtuali privati. Don’t Miss a Sec’. costituisce una controproposta radicale a questi sviluppi: un padiglione di vetro che si pone tra uno stile architettonico discreto e una forma di esibizionismo forzato. Dall’esterno sembra un cubo di specchi, una scultura minimalista del genere dei lavori di Dan Graham, collocata in uno spazio pubblico. Tuttavia, i passanti sono sfidati a entrare e sfruttare i suoi servizi – un bagno perfettamente funzionante. L’installazione è costruita con vetri visti dall’interno verso l’esterno appaiono completamente trasparenti, in maniera simile al vetro utilizzato per le stanze degli interrogatori e gli esperimenti di psicologia clinica. Di conseguenza, il suo utente osserva l’ambiente circostante rimanendo invisibile alle persone che si trovano all’esterno. Precedentemente esposto in vari luoghi come Art Unlimited ad Art Basel, 2004, davanti alla Kunsthaus Zürich, al Louisiana Museum e altri, il lavoro ha suscitato una forte attenzione da parte dei media e moltissime discussioni e reazioni pubbliche.

monica bonvicini

In conversation with Hou Hanru

MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Rome

January 23, 2019

 

In this conversation with MAXXI director Hou Hanru presented as part of the public program for the 2019 exhibition The Street. Where the World Is Made, Monica Bonvicini invites visitors to question the border between public and private, compelling us not to “lose a second” of what happens around us, in the street, starting from the work Don’t Miss a Sec’. (2004), a minimalist glass pavilion that amplifies the notion of minimal art with a witty humor in the moment she put a functioning toilette inside.

In questa conversazione con Hou Hanru, direttore del MAXXI, presentata in occasione della mostra La Strada. Dove si crea il mondo (2019) Monica Bonvicini invita il visitatore a interrogarsi sul confine tra pubblico e privato, esortando esplicitamente a “non perdere un secondo” di quello che avviene attorno a noi, nella strada, a partire dall’opera in mostra Don’t Miss a Sec’. (2004), un padiglione minimalista di vetro che amplifica la nozione dell’arte minimalista con un umorismo arguto nel momento in cui contiene al suo interno una toilette funzionante.

monica bonvicini

Same Old Shit

2018

mirror, MDF

90 × 80 × 2,6 cm

5 + 2 AP

You can avoid people but you can’t avoid architecture

Puoi evitare le persone ma non puoi evitare l’architettura

– Monica Bonvicini

monica bonvicini

No Head Man

2009

HDV, colour video projection, stereo sound

8' (approx.)

 

The video work No Head Man is the aftermath of the performance realised in 2006 for the 27th São Paulo Biennial. Bonvicini choreographed four male actors to perform gestures that critically addressed the architectural space and the hegemonic influence of the ‘white cube,’ the modernist ideal for an art museum. Both minimal and explicit, No Head Man seeks to expose and undermine the gender and position-based entitlements that are far too common in the contemporary art field. This video is currently on view at Palazzo delle Esposizioni in Rome as part of FUORI, the 2020 Quadriennale d’Arte, curated by Sarah Cosulich and Stefano Collicelli Cagol.

L’opera video No Head Man nasce a seguito della performance realizzata nel 2006 per la 27a Biennale di San Paolo. Bonvicini ha coreografato quattro performer maschi per eseguire gesti che affrontassero criticamente lo spazio architettonico e l’influenza egemonica del ‘white cube’, l’ideale modernista per un museo d’arte. Al tempo stesso minimale ed esplicito, No Head Man tenta di smascherare e minare i diritti di genere e di posizione che sono fin troppo comuni nel campo dell’arte contemporanea. Questo lavoro è attualmente in mostra al Palazzo delle Esposizioni di Roma nella Quadriennale d’Arte 2020, FUORI, a cura di Sarah Cosulich e Stefano Collicelli Cagol.

Throughout her decades-long career, Bonvicini has earned several awards, most recently the the Oskar Kokoschka Prize, Vienna, Austria (2020), the 2019 Premio ACACIA alla Carriera, Milan, Italy, and the Hans Platschek Prize for art and writing, Germany (2019).

Nel corso della sua carriera pluridecennale, Bonvicini ha vinto diversi premi, più recentemente il Premio Oskar Kokoschka, Vienna, Austria (2020), il Premio ACACIA alla Carriera 2019, Milano, Italia, e il Premio Hans Platschek per l’arte e la scrittura, Germania (2019).

monica bonvicini

15 Steps to the Virgin / Block 4

2011

Wood, silver PVC

167 × 222 × 131 cm

Installation view at Museo del Novecento, Milan, 2019

Photo: F. Manusardi

monica bonvicini

Pendant (Guilt) #1

2020

Aluminium cast, glass, cables asphalt paint on aluminum

71,5 × 130 × 7 cm

Photo: Jens Ziehe

Works by Bonvicini are currently on view in group exhibitions in several institutions across the world, including La Colère de Ludd. New Acquisitions, BPS22, Chaleroi; Studio Berlin, Berghain, Berlin; Wände I Walls, Kunstmusem Stuttgart; Looking at the Sun at Midnight, Lenbachhaus, Munich; Time for Outrage!, Kunstpalast, Düsseldorf; FUORI, Quadriennale d’Arte 2020, Palazzo delle Esposizioni, Rome. LOVER’S MATERIAL, the artist’s solo show at Kunsthalle Bielefeld, is on view through February 21, 2021.

Opere di Bonvicini sono attualmente esposte in mostre collettive in diverse istituzioni di tutto il mondo, tra cui La Colère de Ludd. New Acquisitions, BPS22, Chaleroi; Studio Berlin, Berghain, Berlino; Wände I Walls, Kunstmusem Stuttgart; Looking at the Sun at Midnight, Lenbachhaus, Monaco di Baviera; Time for Outrage!, Kunstpalast, Düsseldorf; FUORI, Quadriennale d’Arte 2020, Palazzo delle Esposizioni, Roma. LOVER’S MATERIAL, la mostra personale dell’artista alla Kunsthalle Bielefeld, è aperta al pubblico fino al 21 febbraio 2021.

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