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focus on: luisa lambri

We are delighted to present Focus On: Luisa Lambri, the second instalment in this series of in-depth presentations on artists in the gallery program, on the occasion of Autoritratto, Luisa Lambri's first large-scale solo exhibition in Italy at PAC Padiglione d'Arte Contemporanea, Milan, co-curated by Diego Sileo and Douglas Fogle, as well as the artist's participation in FUORI, the 17th Quadriennale di Roma, curated by Sarah Cosulich and Stefano Collicelli Cagol. Luisa Lambri’s discrete photographs occupy a unique space between photographic abstraction and the spatial exploration of architecture, recording the subtle tones of liminal spaces and investing in a vision that ties space to memory, perception, and time.

Siamo lieti di presentare Focus On: Luisa Lambri, secondo appuntamento di questa serie di approfondimenti che indagano le ricerche degli artisti rappresentati dalla galleria, in occasione di Autoritratto, la prima grande personale di Luisa Lambri in Italia al PAC Padiglione d'Arte Contemporanea di Milano, co-curata da Diego Sileo e Douglas Fogle, e la partecipazione dell'artista a FUORI, la 17esima Quadriennale di Roma, a cura di Sarah Cosulich e Stefano Collicelli Cagol. La fotografia di Luisa Lambri occupa uno spazio unico tra la fotografia astratta e l’esplorazione spaziale dell’architettura, registrando le sottili tonalità degli spazi liminali e investendo in una visione che lega lo spazio alla memoria, alla percezione e al tempo.

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

 

Luisa Lambri’s exhibition project at PAC is an exemplary opportunity to experience the artist’s work: a solo show that can be read as a site-specific installation, Autoritratto is an extension of the revered pavilion designed by Ignazio Gardella. The photographs exist within the exhibition space in an essential and transformative relationship, which contains the subjective experience of the visitor as much as Lambri’s presence: Autoritratto [Self-portrait], quoting Carla Lonzi, recalls the first-person reading of themselves by the artists interviewed by the art critic, as much as the self-exploration that Lambri undertakes each time she photographs her subjects. The works on view, a few of which are exhibited for the first time in Italy, range from 1999 through 2017 and present a selection of series, within which Lambri accurately builds sequences that exist precisely for the space they inhabit and in relation to one another.

Il progetto espositivo di Luisa Lambri al PAC è un’occasione esemplare per vivere il lavoro dell’artista: una mostra personale che può essere letta come un’installazione site-specific, Autoritratto è un’estensione dell’architettura del padiglione progettato da Ignazio Gardella. Le fotografie esistono all’interno dello spazio espositivo in un rapporto essenziale e trasformativo, che racchiude l’esperienza soggettiva del visitatore insieme alla presenza di Lambri: Autoritratto, citando Carla Lonzi, ricorda la lettura in prima persona di se stessi da parte degli artisti intervistati dalla critica d’arte, tanto quanto l’autoesplorazione che Lambri intraprende ogni volta che fotografa i suoi soggetti. Le opere in mostra, alcune delle quali esposte per la prima volta in Italia, sono state realizzate tra il 1999 e il 2017 e presentano una selezione di serie, all’interno delle quali Lambri costruisce accuratamente sequenze che esistono proprio per lo spazio in cui abitano e in relazione tra loro .

Untitled (Ambiente Spaziale, #01)

2012

C-Print

94 × 79,5 cm

Ed. of 5 + 2 AP

© Fondazione Lucio Fontana

Untitled (Ambiente Spaziale, #04)

2012

C-Print

94 × 79,5 cm

Ed. of 5 + 2 AP

© Fondazione Lucio Fontana

 

In this 2012 series of works devoted to Lucio Fontana’s Ambiente Spaziale, Luisa Lambri directly engages with the notion of spatialist art which Fontana first outlined in his 1946 Manifesto blanco. Spatialism is one of the artistic movements that have influenced Lambri’s practice: these photographs pay homage to the faithfully reconstructed environment Fontana presented at Documenta 4 in Kassel (1968).

In questa serie di opere del 2012 dedicate all’Ambiente Spaziale di Lucio Fontana, Luisa Lambri si confronta in maniera diretta con la nozione di arte spazialista che Fontana delineò per la prima volta nel suo Manifesto blanco del 1946. Lo spazialismo è uno dei movimenti artistici che hanno influenzato la pratica di Lambri: queste fotografie rendono omaggio all’ambiente fedelmente ricostruito che Fontana presentò a Documenta 4 a Kassel (1968).

Untitled (Ambiente Spaziale, #03)

2012

C-Print

94 × 79,5 cm

Ed. of 5 + 2 AP

© Fondazione Lucio Fontana

Untitled (Ambiente Spaziale, #02)

2012

C-Print

94 × 79,5 cm

Ed. of 5 + 2 AP

© Fondazione Lucio Fontana

FUORI

Quadriennale d'Arte 2020

Curated by Sarah Cosulich and Stefano Collicelli Cagol

Installation view at Palazzo delle Esposizioni, Rome

Photo: DSL Studio © Fondazione La Quadriennale

FUORI

Quadriennale d'Arte 2020

Curated by Sarah Cosulich and Stefano Collicelli Cagol

Installation view at Palazzo delle Esposizioni, Rome

Photo: DSL Studio © Fondazione La Quadriennale

The Schindler House in West Hollywood, California, was designed by architect Rudolph M. Schindler in 1921.

La Schindler House a West Hollywood, California, è stata progettata dall’architetto Rudolph M. Schindler nel 1921.

Untitled (Schindler House, #01)

2007

C-Print

84 × 71,33 cm

Ed. of 5 + 1 AP

 

The photographs I take reflect my experience of architecture and, more importantly, space. My work is not about the buildings themselves but about how I encounter them and the way my relationship to these interiors unfolds when I spend time in them. I’m often interested in private spaces and domestic interiors and how they shape our experiences of being human. Over the last few years, in addition to photographing houses, I’ve begun to look at the work of artists who inspired my work on architecture and my thoughts on space, such as those associated with the West Coast Light and Space movement. Since moving to Los Angeles, in 2011, I’ve started photographing works and installations by Robert Irwin and Larry Bell in similar ways to how I would photograph houses. I’ve also engaged with the work of Donald Judd — in particular his installation 100 untitled works in mill aluminum (1982–1986) in Marfa — and with Nancy Holt’s Sun Tunnels in the Utah Desert. In many cases, I literally enter them and photograph them from the inside. I inhabit them.
Le fotografie che faccio riflettono la mia esperienza dell’architettura e, soprattutto, dello spazio. Il mio lavoro non riguarda gli edifici in sé, ma il modo in cui li incontro e il modo in cui il mio rapporto con questi interni si sviluppa quando ci trascorro del tempo. Sono spesso interessata agli spazi privati e agli interni domestici e al modo in cui danno forma alle nostre esperienze come esseri umani. Negli ultimi anni, oltre a fotografare case, ho iniziato a guardare al lavoro di artisti che hanno ispirato il mio lavoro sull’architettura e il mio pensiero sullo spazio, come quelli associati al movimento Light and Space della West Coast. Da quando mi sono trasferita a Los Angeles, nel 2011, ho iniziato a fotografare opere e installazioni di Robert Irwin e Larry Bell in maniera simile a come fotograferei le case. Mi sono anche interessata al lavoro di Donald Judd — in particolare la sua installazione 100 untitled works in mill aluminum (1982–1986) a Marfa – e ai Sun Tunnels di Nancy Holt nel deserto dello Utah. In molti casi, mi inserisco al loro interno e li fotografo. Li abito.
– Luisa Lambri, in Breuer Revisited: New Photographs by Luisa Lambri, a publication by PIN–UP, 2017.

 

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

 

In over two decades of artistic practice, Lambri has created dialogues not only with a careful selection of architects, to whom she has often dedicated more than one series, but also artists such as Lucio Fontana, Donald Judd, and Lygia Clark. Concentrating her gaze on the light contained within and reflected by the aluminum units that comprise Donald Judd’s monumental installation 100 untitled works in mill aluminum (1982–1986), Lambri engages with the lasting legacy of the minimalist movement.

In oltre due decenni di pratica artistica, Lambri ha creato dialoghi non solo con un’accurata selezione di architetti, ai quali ha spesso dedicato più di una serie, ma anche artisti come Lucio Fontana, Donald Judd e Lygia Clark. Rivolgendo il suo sguardo alla luce contenuta all’interno e riflessa dalle unità di alluminio che compongono la monumentale installazione di Donald Judd 100 untitled works in mill aluminum (1982–1986), Lambri si confronta con l’eredità duratura del movimento minimalista.

Untitled (100 Untitled Works in Mill Aluminum 1982-86, #04)

2012

C-Print

79,39 × 94 cm

Ed. of 5 + 2 AP

Untitled (100 Untitled Works in Mill Aluminum 1982-86, #02)

2012

C-Print

79,39 × 94 cm

Ed. of 5 + 2 AP

 

In her 2013 photographic series devoted to Lygia Clark’s Bicho Invertebrado, Luisa Lambri captures the essence of the Brazilian artist’s Bichos (critters), small structures that are fully manipulable by the viewer.

Nella sua serie fotografica del 2013 dedicata a Bicho Invertebrado di Lygia Clark, Luisa Lambri cattura l’essenza dei Bichos (creature) dell’artista brasiliana, piccole strutture completamente manipolabili dallo spettatore.

Untitled (Bicho Invertebrado, #07)

2013

C-Print

69,5 × 56,7 cm

Ed. of 3 + 1 AP

© The World of Lygia Clark

Each Bicho is an organic entity which is totally revealed with the inner time of expression. It has affinities with the mollusk and the shell. It is a living organism, an essentially active work. Between you and it there is the establishing of a total, essential interaction. In the relationship established between you and the Bicho there is no passiveness, neither yours not its… in fact there is a dialogue in which the Bicho has very well defined answers of its own for the spectator’s stimuli.
Ogni Bicho è un’entità organica che viene totalmente rivelata con il tempo interiore dell’espressione. Ha affinità con il mollusco e la conchiglia. È un organismo vivente, un’opera essenzialmente attiva. Tra te e lui si instaura un’interazione totale ed essenziale. Nel rapporto che si instaura tra te e il Bicho non c’è passività, né la tua né la sua… infatti c’è un dialogo in cui il Bicho ha delle sue risposte ben definite per gli stimoli dello spettatore.
— Lygia Clark, in “Bichos,” 1965, trans. M. Nicol in P. Frank (ed.) Readings in Latin American Modern Art, London, 2004. p. 176.

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

 

In her photographs of the Centro Galego de Arte Contemporánea, designed by Álvaro Siza between 1988 and 1993, Lambri records the subtleties of light and shadows casted by a corner within the building, exploring her own relationship to the space, to memory, and to changes in perception over time.

Nelle sue fotografie del Centro Galego de Arte Contemporánea, progettato da Álvaro Siza tra il 1988 e il 1993, Lambri registra le sottigliezze di luci e ombre proiettate da un angolo all’interno dell’edificio, esplorando il proprio rapporto con lo spazio, con la memoria e con i cambiamenti nella percezione nel tempo.

Untitled (Centro Galego de Arte Contemporánea, #13)

2008

C-Print

74,9 × 63,5 cm

Ed. of 5 + 1 AP

Untitled (Centro Galego de Arte Contemporánea, #14)

2008

C-Print

74,9 × 63,5 cm

Ed. of 5 + 1 AP

 

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

 

[Luisa Lambri] has a distinctive way of approaching the places she photographs: she recognizes and distills the psychological and emotional essence of a site. She considers the work a form of self-portraiture. The resulting images are phenomenological studies; in essence, she captures the souls of spaces via their material and sensory properties, and discovers what they mean personally to her. Windows, skylights, closets, hallways, and walls all become framing devices delineating a visual center point that communicates emotion, mystery, and the passage of time. Seen through Lambri’s lens, these architectural elements serve as metaphorical thresholds, conduits leading us somewhere new.
[Luisa Lambri] ha un modo distintivo di avvicinarsi ai luoghi che fotografa: riconosce e distilla l’essenza psicologica ed emotiva di un sito. Considera l’opera una forma di autoritratto. Le immagini risultanti sono studi fenomenologici; in sostanza, cattura le anime degli spazi attraverso le loro proprietà materiali e sensoriali, e scopre cosa significano personalmente per lei. Finestre, lucernari, armadi, corridoi e pareti diventano tutti dispositivi di inquadratura che delineano un punto di vista centrale che comunica emozione, mistero e il passare del tempo. Visti attraverso l’obiettivo di Lambri, questi elementi architettonici fungono da soglie metaforiche, condotti che ci portano verso un nuovo luogo.
– Pieranna Cavalchini, in Luisa Lambri: Portrait, 2012. Ed. Luisa Lambri, with Pieranna Cavalchini and Amanda Esteves-Kraus. Published on the occasion of the exhibition Portrait, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, January 19 – October 1, 2012.

Untitled (Barcelona Pavilion, #08)

2000

C-Print

39 × 31 cm

Ed. of 5 + 1 AP

Untitled (Barcelona Pavilion, #06)

2000

C-Print

39 × 31 cm

Ed. of 5 + 1 AP

Untitled (Barcelona Pavilion, #03)

2000

C-Print

39 × 31 cm

Ed. of 5 + 1 AP

 

Ludwig Mies van der Rohe and Lilly Reich designed the Barcelona Pavilion for the 1929 International Exposition in Barcelona, Spain. The building housed the German Pavillion of the exhibition and is recognized today as an important achievement in the history of modern architecture, known for its simple form and its spectacular use of extravagant materials, such as marble, red onyx, and travertine.

Ludwig Mies van der Rohe e Lilly Reich progettarono il Padiglione di Barcellona per l’Esposizione Internazionale del 1929 a Barcellona, in Spagna. L’edificio ospitò il padiglione tedesco della mostra ed è oggi riconosciuto come un traguardo importante nella storia dell’architettura moderna, noto per la sua forma semplice e il suo uso spettacolare di materiali stravaganti, come il marmo, l’onice rosso e il travertino.

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

 

Lambri has often photographed nature as observed through architecture, as the architect had intended for it to be present and as she has experienced it. The degree to which architecture is present, between her eye, and therefore us, and nature varies deeply, and yet, it is always its presumed point of observation and medium. Through the form of a transparent reflecting glass, a framed window, or a blind half opened, nature is the subject as much as it is the medium through which we observe it.

Lambri ha spesso fotografato la natura osservandola attraverso l’architettura, come l’architetto avrebbe voluto che fosse presente e come lei l’ha percepita. Il grado in cui l’architettura è presente, tra il suo occhio, e quindi noi, e la natura varia profondamente, eppure è sempre il suo presunto punto di osservazione e mezzo. Attraverso la forma di un vetro riflettente trasparente, di una finestra inquadrata o di una tenda semiaperta, la natura è il soggetto tanto quanto il mezzo attraverso il quale la osserviamo.

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

Untitled (Sheats-Goldstein House, #07)

2007

C-Print

83 × 67,6 cm

Ed. of 5 + 1 AP

Untitled (Sheats-Goldstein House, #01)

2007

C-Print

83 × 67,6 cm

Ed. of 5 + 1 AP

 

American architect John Lautner designed the Sheats–Goldstein Residence in the Beverly Crest neighborhood of Los Angeles between 1961 and 1963. Built into the sandstone ledge of the hillside, the residence features large glass windows that embrace the surrounding nature and view. In the series she devoted to this house, Lambri shifted her gaze upwards to the skylights and the trees above.

L’architetto americano John Lautner progettò la residenza Sheats–Goldstein nel quartiere Beverly Crest di Los Angeles tra il 1961 e il 1963. Costruita sulla sporgenza di arenaria della collina, la residenza dispone di ampie vetrate che abbracciano la natura e la vista circostante. Nella serie che ha dedicato a questa casa, Lambri rivolge il suo sguardo verso l’alto, ai lucernai e gli alberi sovrastanti.

Untitled (Sheats-Goldstein House, #14)

2007

C-Print

91 × 76,5 cm

Ed. of 5 + 1 AP

Untitled (Sheats-Goldstein House, #18)

2007

C-Print

91 × 76,5 cm

Ed. of 5 + 1 AP

 

In the exhibition at PAC, Lambri’s Untitled (Sheats-Goldstein House) series from 2007 is also placed in a dialogue with Italian architect Lina Bo Bardi, who designed the São Paulo Museum of Modern Art (MASP) in 1957. The ten photographs selected for the parterre are displayed on Bo Bardi’s “cavaletes”, glass and concrete easels which the architect had conceived for the Brazilian museum, creating a stream of relationships between Lambri’s photographs, Gardella’s architecture with its large windows overlooking PAC’s garden, and the nature outside the museum.

Nella mostra al PAC, la serie di Lambri Untitled (Sheats-Goldstein House) del 2007 è collocata anche in un dialogo con l’architetto italiano Lina Bo Bardi, che disegnò il Museo di Arte Moderna di San Paolo (MASP) nel 1957. Le dieci fotografie selezionate per il parterre sono allestite sui “cavaletes” di Bo Bardi, cavalletti in vetro e cemento che l’architetto aveva concepito per il museo brasiliano, creando un flusso di relazioni tra le fotografie di Lambri, l’architettura di Gardella con le finestre che si affacciano sul giardino del PAC, l’architettura di Lautner e la natura circostante.

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

 

I am interested in the synthesis of culture represented by architecture and nature, and the contrast between the organic and non-organic.
Mi interessano la sintesi della cultura rappresentata da architettura e natura, e il contrasto tra organico e inorganico.
– Luisa Lambri

 

In this brief video Douglas Fogle, then Chief Curator at the Hammer Museum, Los Angeles, and co-curator of the project at PAC, Milan, discusses the exhibition Luisa Lambri: Being there (2010).

In questo breve video Douglas Fogle, allora Chief Curator all’Hammer Museum di Los Angeles e co-curatore del progetto al PAC, Milano, descrive la mostra Luisa Lambri: Being there (2010).

Being there

Curated by Douglas Fogle

Installation view at Hammer Museum, Los Angeles, 2010

Photo: Brian Forrest

Being there

Curated by Douglas Fogle

Installation view at Hammer Museum, Los Angeles, 2010

Photo: Brian Forrest

Being there

Curated by Douglas Fogle

Installation view at Hammer Museum, Los Angeles, 2010

Photo: Brian Forrest

Being there

Curated by Douglas Fogle

Installation view at Hammer Museum, Los Angeles, 2010

Photo: Brian Forrest

Being there

Curated by Douglas Fogle

Installation view at Hammer Museum, Los Angeles, 2010

Photo: Brian Forrest

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

This photograph is part of the series that Luisa Lambri dedicated to Gropius House, the family residence of Modernist architect Walter Gropius, in Lincoln, Massachusetts. Inspired by traditional elements of New England architecture yet incorporating innovative materials for the time such as glass blocks, the house was designed in 1937 for maximum efficiency and simplicity, following the Bauhaus philosophy.

Questa fotografia fa parte della serie che Luisa Lambri ha dedicato a Gropius House, la casa di famiglia dell’architetto modernista Walter Gropius, a Lincoln, Massachusetts. Ispirata agli elementi tradizionali dell’architettura del New England ma incorporando materiali innovativi per l’epoca come i mattoni di vetro, la casa è stata progettata nel 1937 per la massima efficienza e semplicità, seguendo la filosofia Bauhaus.

Untitled (Gropius House, #10)

2005

Gelatine Silver Print

46 × 41 cm

Ed. of 5 + 1 AP

Photo: Lorenzo Palmieri

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

Untitled (Casa del Fascio, #04)

1999

Fine Art Pigment Print

97,5 × 80,9 cm

Ed. of 5 + 1 AP

Casa del Fascio (also known as Palazzo Terragni) is one of the masterpieces of Italian Rationalism built in Lambri’s own hometown of Como. Completed in 1936, the building was designed by Giuseppe Terragni, a pioneer of the modern movement in Italy.

La Casa del Fascio (nota anche come Palazzo Terragni) è uno dei capolavori del razionalismo italiano costruiti a Como, città natale di Lambri. Completato nel 1936, l’edificio è stato progettato da Giuseppe Terragni, un pioniere del movimento moderno in Italia.

 

Once she has gained entry to these structures Lambri brings her camera to bear on these architectural interiors in a subtle and almost glancing way, as if the technology of the lens and the shutter were no more than a divining rod that she uses to coax a vocal response from the mute materiality of the structure itself. The resulting images that she produces (or rather, conjures) are as far from the realm of documentary architectural photography as a fragment of an emotional musical performance is from its original written score. In Lambri’s work the subjective takes precedence over the objective and the architectural fragment is elevated to a place of prominence over the totality of the building itself.
Una volta entrata in queste strutture Lambri rivolge la sua macchina fotografica a questi interni architettonici in modo sottile e quasi trasversale, come se la tecnologia dell’obiettivo e dell’otturatore non fosse altro che una bacchetta da rabdomante che usa per evocare una risposta vocale dalla muta materialità della struttura stessa. Le immagini risultanti che produce (o meglio, fa apparire) sono tanto lontane dal campo della fotografia architettonica documentaria quanto un frammento di una emotiva performance musicale lo è dalla sua partitura originale scritta. Nell’opera di Lambri il soggettivo ha la precedenza sull’oggettivo e il frammento architettonico è elevato a un luogo di rilievo superiore alla totalità dell’edificio stesso.
– Douglas Fogle, A Geometry of Echoes

 

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

Untitled (The Met Breuer, #01)

2016

Fine Art Pigment Print

90 × 72 cm

Ed. of 3 + 1 AP

Untitled (The Met Breuer, #02)

2016

Fine Art Pigment Print

90 × 72 cm

Ed. of 3 + 1 AP

 

The Met Breuer opened in March 2016 in the building formerly occupied by the Whitney Museum of American Art, designed by Hungarian-born, Bauhaus-trained architect Marcel Breuer. Completed in 1966, the building has become a landmark of modernist architecture in New York and is known for its signature windows, which are the subjects of Lambri’s 2016 series Untitled (The Met Breuer).

Il Met Breuer è stato inaugurato a marzo 2016 nell’edificio precedentemente occupato dal Whitney Museum of American Art, progettato da Marcel Breuer, architetto ungherese e di formazione Bauhaus. Completato nel 1966, l’edificio è diventato un punto di riferimento dell’architettura modernista a New York ed è noto per le sue caratteristiche finestre, i soggetti della serie di Lambri Untitled (The Met Breuer), 2016.

Untitled (The Met Breuer, #03)

2016

Fine Art Pigment Print

90 × 72 cm

Ed. of 3 + 1 AP

Untitled (The Met Breuer, #05)

2016

Fine Art Pigment Print

90 × 72 cm

Ed. of 3 + 1 AP

FUORI

Quadriennale d'Arte 2020

Curated by Sarah Cosulich and Stefano Collicelli Cagol

Installation view at Palazzo delle Esposizioni, Rome

Photo: DSL Studio © Fondazione La Quadriennale

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

The Jan Shrem and Maria Manetti Shrem Museum of Art at the University of California, Davis, opened to the public in 2016. Designed by Florian Idenburg and Jing Liu of the New York architecture and design firm SO – IL and Bohlin Cywinski Jackson, the building is covered by the Grand Canopy, a “perforated aluminum and steel roof that creates textured light and shadows throughout the grounds”, inspired by the geometry of the farm fields that surround Davis, California.

Il Jan Shrem and Maria Manetti Shrem Museum of Art, presso l’Università della California, Davis, è stato aperto al pubblico nel 2016. Progettato da Florian Idenburg e Jing Liu dello studio di architettura e design di New York SO – IL e Bohlin Cywinski Jackson, l’edificio è coperto dal Grand Canopy, un “tetto perforato in alluminio e acciaio che crea luci e ombre strutturate su tutto il terreno”, ispirato alla geometria dei terreni agricoli che circondano Davis, in California.

Untitled (Manetti Shrem Museum of Art, #01)

2016

Fine Art Pigment Print

71,1 × 61,9 cm

Ed. of 1 + 1 AP

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

Untitled (Farnsworth House, #08)

2016

Fine Art Pigment Print

70,5 × 59,6 cm

Ed. of 3 + 1 AP

Untitled (Farnsworth House, #09)

2016

Fine Art Pigment Print

70,5 × 59,6 cm

Ed. of 3 + 1 AP

Untitled (Farnsworth House, #05)

2016

Fine Art Pigment Print

70,5 × 59,6 cm

Ed. of 3 + 1 AP

The Farnsworth House is one of German-American Modernist architect Ludwig Mies van der Rohe’s most celebrated projects. Designed and constructed between 1945 and 1951, the building was conceived as a home for weekend retreats, featuring large glass windows on each side, surrounded by the nature near the Fox river, south of Plano, Illinois.

La Farnsworth House è uno dei progetti più celebri dell’architetto modernista tedesco-americano Ludwig Mies van der Rohe. Progettato e costruito tra il 1945 e il 1951, l’edificio è stato concepito come una casa in cui ritirarsi nel fine settimana, con grandi finestre di vetro su ogni lato, circondata dalla natura vicina al fiume Fox, a sud di Plano, Illinois.

 

The S. R. Crown Hall, also designed by Mies van der Rohe, is the home of the College of Architecture at the Illinois Institute of Technology in Chicago. Completed in 1956, the basic steel and glass construction was considered by its architect as the best embodiment of his own famous words, “less is more”. Luisa Lambri’s photographs of the Farnsworth House and S. R. Crown Hall were commissioned by the 2017 Chicago Architecture Biennial, titled Make New History.

La S. R. Crown Hall, anch’essa progettata da Mies van der Rohe, è la sede del College of Architecture presso l’Illinois Institute of Technology di Chicago. Completata nel 1956, la semplice costruzione in acciaio e vetro è stata considerata dal suo architetto come la migliore incarnazione delle sue famose parole, “less is more”. Le fotografie di Luisa Lambri della Farnsworth House e della S. R. Crown Hall sono state commissionate dalla Chicago Architecture Biennial del 2017, dal titolo Make New History.

Untitled (S. R. Crown Hall, #02)

2017

Fine Art Pigment Print

63,5 × 63 cm

Ed. of 3 + 1 AP

Untitled (S. R. Crown Hall, #01)

2017

Fine Art Pigment Print

63,5 × 63 cm

Ed. of 3 + 1 AP

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

 

My first extended trip to Brazil was in 2003 when I traveled to Rio de Janeiro […]. I had been interested in Brazilian art and culture and in particular its modern architecture for many years and wanted to examine the work that had been made there by architects such as Oscar Niemeyer, Lina Bo Bardi, and also Paulo Mendes da Rocha.
Il mio primo lungo viaggio in Brasile è stato nel 2003, quando sono andata a Rio de Janeiro […]. Mi interessavano da molti anni l’arte e la cultura brasiliana e in particolare la sua architettura moderna e volevo esaminare il lavoro che era stato realizzato lì da architetti come Oscar Niemeyer, Lina Bo Bardi e anche Paulo Mendes da Rocha.
— Luisa Lambri

 

Untitled (Casa Fernando Millán, #01)

2003

C-Print

84 × 68 cm

Ed. of 5 + 1 AP

Untitled (Casa Fernando Millán, #02)

2003

C-Print

84 × 68 cm

Ed. of 5 + 1 AP

 

Designed by Paulo Mendes da Rocha in 1969, Casa Fernando Millán is a concrete bunker-style house in the city of São Paulo, Brazil. Built on a sloping hill, the house overlooking a local park is largely built underground. In the series devoted to this building, Lambri captures the residence’s plants as seen from the basement level.

Progettata da Paulo Mendes da Rocha nel 1969, Casa Fernando Millán è una casa in cemento in stile bunker nella città di San Paolo, in Brasile. Eretta su una collina in pendenza, la costruzione in gran parte interrata si affaccia su un parco vicino. Nella serie dedicata a questo edificio, Lambri cattura le piante della residenza viste dal piano sotterraneo.

Untitled (Casa Fernando Millán, #03)

2003

C-Print

84 × 68 cm

Ed. of 5 + 1 AP

Untitled (Casa Fernando Millán, #04)

2003

C-Print

84 × 68 cm

Ed. of 5 + 1 AP

AUTORITRATTO

Installation view della mostra, PAC Milano, 16.02-30.05.2021

A cura di Diego Sileo e Douglas Fogle

Courtesy PAC Padiglione d'Arte Contemporanea. Foto Lorenzo Palmieri

 

The subject of my work is the human being, even if you never see anyone in my images. It is about the relationship that people have with the world around them, on a level that is not only rational, but that is informed by feelings, experiences, and intuition. I have often felt that the way we interpret the world is too removed from the actual experience of it. I think these thoughts, which are somehow part of an existentialist understanding of the world, are really at the core of my practice.
Il soggetto del mio lavoro è l’essere umano, anche se non si vede mai nessuno nelle mie immagini. Riguarda il rapporto che le persone hanno con il mondo che le circonda, a un livello non solo razionale, ma influenzato da sentimenti, esperienze e intuizioni. Ho spesso sentito che il modo in cui interpretiamo il mondo è troppo lontano dalla sua reale esperienza. Credo che questi pensieri, che sono in qualche modo parte di una comprensione esistenziale del mondo, siano veramente al centro della mia pratica.
– Luisa Lambri

 
 

Luisa Lambri – Autoritratto is on view at PAC Padiglione d’Arte Contemporanea, Milan, through May 30, 2021. Works by Luisa Lambri are also included in FUORI, the 17th Quadriennale di Roma, which is on view through Spring 2021. We are delighted to announce that the gallery will host its first exhibition by Lambri in September 2021.

Luisa Lambri – Autoritratto è in mostra al PAC Padiglione d’Arte Contemporanea, Milano, fino al 30 maggio 2021. Opere di Luisa Lambri sono incluse anche in FUORI, la 17a Quadriennale di Roma, in corso fino alla primavera del 2021. Siamo lieti di annunciare che la galleria ospiterà la sua prima mostra di Lambri a settembre 2021.

 

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